TIFF 51 | Closing Night, de Cody Fern (Idem, 2026)

Cody Fern faz de Closing Night sua grande estreia como diretor, em drama familiar que busca por certo realismo, e chega em um resultado tão sensível quanto maduro.

A escolha por encaixar Closing Night em minha grade do TIFF se deu por uma série de fatores. Não bastasse o título naturalmente chamativo - que evoca idéias de metalinguagem, uma relação com teatro, e naturalmente uma lembrança, ainda que vaga, do cinema de John Cassavetes -, também tinha como protagonista Sarah Paulson, uma atriz a que muito admiro desde os tempos de adolescente, em que era fissurado por American Horror Story (e sigo gostando bastante, apesar de que os últimos anos deixaram a desejar). Ainda, é o filme que marca a estreia do ator Cody Fern na cadeira de diretor, o qual também conheci de algumas temporadas da série, com o roteiro escrito em colaboração com o também ator, e roteirista estreante, Devon Bostick (que viveu Rodrick nos primeiros filmes de Diário de um Banana, parte da minha infância). Era uma combinação de fatores, interesses e admirações surpreendentes demais para deixar o filme passar em branco pelo festival.

Entrei sem saber o que esperar, apenas com o conhecimento do elenco envolvido, equipe e de uma única imagem. Jamais esperaria que Cody Fern daria o pontapé na carreira de diretor com um filme tão complexo como Closing Night, de uma maturidade formal inatingível até para alguns diretores experientes. Em um primeiro momento, evoca uma atmosfera de drama familiar protocolar, com o diferencial, inicialmente pouco perceptível, de que os personagens se estabelecem muito cuidadosamente - fator essencial para garantir o andamento e imersão do espectador na narrativa. É quando conhecemos a relação de proximidade que existe entre mãe (Naomi Watts) e filho (Toby Wallace), este casado, e com a esposa grávida, sem que ele ainda saiba; enquanto a tia distante (Sarah Paulson), irmã da mãe, e uma atriz de renome, com quem não falam há décadas, os convida para assistir a sua peça de teatro.

Morando em cidades diferentes, a chegada da mãe à casa do filho, em Nova York, e a notícia do convite geram momentos de tensão, enquanto debatem a tentativa de aproximação da tia, rejeitada por ela, e o interesse dele em conhecer uma familiar com quem teve pouco, ou nenhum, contato. Quando decidem ir ao espetáculo, um mal súbito da tia durante a peça os leva a se reunir de uma maneira inesperada, quando descobre-se um quadro de demência avançado, que a impedirá de seguir com a carreira a curto-médio prazo, bem como a necessidade de cuidados.

A personalidade excêntrica vivida por Sarah Paulson (segundo os roteiristas, escrita especialmente para ela, e confesso que de fato não consigo ver outra atriz no papel) se desconstrói perante a família, como uma máscara de mágoas. Trinta anos de distância entre as irmãs precisam ser compensados diante dessa necessidade de reconciliação forçada, em razão da doença. Aos poucos, o filme destrincha os motivos que as separam, os quais, apesar de se pareceram com meras ingenuidades e bobagens adolescentes, toma contornos cada vez mais profundos enquanto adentram as discussões. Não existem propriamente anjos e demônios, certos e errados, fruto desse maniqueísmo cristão que não define, de modo algum, as regras da realidade na prática. 

A questão financeira, o egoísmo, a perseguição dos sonhos são apenas alguns dos fatores que levaram todos ao olho do furacão. A contraposição entre as residências e os figurinos das personagens de Paulson e Watts, a partir da direção de arte, evidenciam não apenas as personalidades, mas também as condições de vida de cada uma delas. As verdades sobre essas vidas, e o desenterrar do passado, desconstrói também as relações familiares que tanto acreditávamos, tais como os personagens. 

Cody Fern transforma Closing Night em um filme de elenco, enquanto volta seu olhar à maneira como seus personagens reagem frente às verdades e revelações em família. Tais conflitos, que facilmente poderiam render um drama exagerado de novela, são trabalhados pela direção sob o vértice do realismo, sem buscar por reações extremas ou exageradas, mas verdadeiras. Vai além, quando a urgência colocada à mesa, na forma de uma doença, propõe, ou catalisa, conversas que, em outras oportunidades, jamais aconteceriam.

Os planos simétricos, e a fotografia propositalmente escura de Yves Bélanger, que se movimenta nos momentos intensos, mas se mantém estática durante a calmaria, acompanham a atmosfera densa que se expande pelas vidas dos envolvidos enquanto se encaram dentro de uma sala, em um dos momentos do clímax. Quando no terceiro ato, ao invés de encerrar a narrativa de maneira banal, Fern e Bostick seguem além, na cicatrização final das feridas infligidas pelas irmãs. Poucas vezes senti-me emocionado tal como na reta final de Closing Night, menos interessado em buscar pelo otimismo dos finais felizes tradicionais, e mais centrado na humanidade de seus personagens. Não existe facilidade diante dos temas tratados pela obra, da complexidade do seio familiar e das revelações que precisavam acontecer, trabalhados com delicadeza tanto pelos realizadores quanto pelo próprio elenco, sem caricaturas, apesar da excentricidade de uma das protagonistas. Nos créditos finais, a sala de cinema encontrava-se em prantos, e não a toa. O filme consegue não apenas se encerrar bem, especialmente com seu plano final, como respeitar a narrativa, os envolvidos, e especialmente encaixar-se em seu próprio título, como uma referência à personagem de Paulson, tanto no âmbito profissional quanto familiar, ao colocar suas próprias feridas no palco para uma última performance. Poucas vezes uma estreia como roteirista ou diretor chegaram a tal patamar de altíssimo nível e sensibilidade - é uma das grandes surpresas do ano.

Avaliação: ★★★★½

Closing Night (Idem, 2026)

Direção: Cody Fern

Roteiro: Cody Fern e Devon Bostick

Gênero: Drama, Thriller

Origem: EUA, Austrália, Canadá

Duração: 115 minutos (1h55)

51th Toronto International Film Festival (TIFF)  

Sinopse: Sandra Vale é uma renomada atriz da Broadway prestes a encarar o papel mais importante de sua carreira. Após convidar sua irmã April, de quem está afastada há três décadas, para a estreia de seu espetáculo, o reencontro entre as duas traz à tona antigas tensões familiares, que se intensificam quando Sandra desmaia durante a apresentação.

English review

Cody Fern makes Closing Night his major directorial debut, in a family drama that looks for a certain realism and arrives at a result that is as sensitive as it is mature.

The decision to fit Closing Night into my TIFF schedule came from a series of factors. Not only is the title naturally striking - evoking ideas of metalinguistics, a connection to theater, and naturally a vague reminder of the cinema of John Cassavetes -, but it also starred Sarah Paulson, an actress I have admired greatly since my teenage years, when I was obsessed with American Horror Story (and I still like it quite a lot, although the last few years have left something to be desired). Furthermore, it is the film marking actor Cody Fern's debut in the director's chair, whom I also knew from a few seasons of the series, with the screenplay written in collaboration with fellow actor and first-time screenwriter Devon Bostick (who played Rodrick in the first Diary of a Wimpy Kid films, part of my childhood). It was a combination of factors, interests, and admirations that was simply too surprising to let the film pass unnoticed at the festival.

I went in without knowing what to expect, with only the knowledge of the cast and crew involved and a single image. I would never have expected Cody Fern to kick off his directing career with a film as complex as Closing Night, with a level of formal maturity unattainable even for some experienced directors. At first, it evokes the atmosphere of a conventional family drama, with the initially barely perceptible distinction that the characters are established with great care - an essential factor in ensuring the narrative's flow and the viewer's immersion. This is when we learn about the close relationship between a mother (Naomi Watts) and her son (Toby Wallace), who is married, with a pregnant wife, although he does not yet know it; while his estranged aunt (Sarah Paulson), his mother's sister and a renowned actress, whom they have not spoken to in decades, invites them to watch her theater play.

Living in different cities, the mother's arrival at her son's home in New York, and the news of the invitation, generate moments of tension as they discuss the aunt's attempt to reconnect, which the mother rejects, and his interest in meeting a relative with whom he has had little, or no, contact. When they decide to attend the performance, the aunt's sudden illness during the play brings them together in an unexpected way, when they discover that she has advanced dementia, which will prevent her from continuing her career in the short to medium term, as well as the need for care.

The eccentric personality played by Sarah Paulson (according to the screenwriters, written specifically for her, and I confess that I truly cannot imagine another actress in the role) is dismantled before the family, like a mask of grievances. Thirty years of distance between the sisters must be made up for in the face of this need for forced reconciliation, because of the illness. Little by little, the film dissects the reasons that separate them, which, although they may initially seem like mere teenage naivety and nonsense, take on increasingly deeper contours as they delve into the discussions. There are not exactly angels and demons, right and wrong, the result of this Christian Manichaeism that in no way defines the rules of reality in practice.

Financial issues, selfishness, and the pursuit of dreams are just some of the factors that brought everyone into the eye of the storm. The contrast between the homes and costumes of Paulson's and Watts' characters, through the production design, highlights not only their personalities, but also the living conditions of each of them. The truths about these lives, and the unearthing of the past, also dismantle the family relationships we believed in so strongly, just as the characters did.

Cody Fern turns Closing Night into an ensemble film, while directing his gaze toward the way his characters react to truths and revelations within the family. These conflicts, which could easily have resulted in an exaggerated soap-opera drama, are handled by the direction through the lens of realism, without seeking extreme or exaggerated reactions, but genuine ones. It goes further, when the urgency placed on the table, in the form of an illness, proposes, or catalyzes, conversations that would never have happened under other circumstances.

The symmetrical shots, and Yves Bélanger's deliberately dark cinematography, which moves during intense moments but remains static during moments of calm, accompany the dense atmosphere that expands through the lives of those involved as they face one another inside a room, in one of the climactic moments. In the third act, rather than ending the narrative in a banal way, Fern and Bostick go further, toward the final healing of the wounds inflicted by the sisters. Few times have I felt as moved as I did during the final stretch of Closing Night, less interested in searching for the optimism of traditional happy endings, and more focused on the humanity of its characters. There is no easy way through the themes addressed by the film, the complexity of the family unit, and the revelations that needed to happen, all handled delicately by both the filmmakers and the cast themselves, without caricatures, despite the eccentricity of one of the protagonists. During the end credits, the movie theater was in tears, and not without reason. The film manages not only to end well, especially with its final shot, but also to respect the narrative, those involved, and especially to fit into its own title, as a reference to Paulson's character, both professionally and within her family, by putting her own wounds on stage for one final performance. Few times has a debut as a screenwriter or director reached such a high level of quality and sensitivity - it is one of the great surprises of the year.

★★★★½